【DANCE】康本雅子(ダンサー・振付家)

まだ使っていない感覚を、少しでも開拓してみたい。

振付家・ダンサーの康本雅子さんは、この春から横浜赤レンガ倉庫1号館振付家として、2年間の活動を始めました。ワークショップを行うほか、異なるジャンルの作り手同士が制作の方法を持ち寄る機会なども設け、2027年2月には同館で新作の発表を予定しています。作品を作ること、ダンスの裾野を広げること。現在の活動を軸に、いま康本さんが考えていることを聞きました。

「ずんずん先鋭化していく」ことと、「裾野を広げる」こと

——今回、横浜赤レンガ倉庫1号館振付家に応募されたきっかけを教えてください。

ちょうど、セゾン文化財団のフェローとして活動した4年間が終わり、一区切りついた時期でした。期間中は毎年のように公演を重ね、制作に集中できた、とても充実した時間でした。作品至上主義では全くないんです。ただ、自分の世界観を提示できるのは、やっぱり作品という形が一番大きい。一方で、作品を発表するだけではなかなか社会に波及していかないという感覚もその頃からありました。

コンテンポラリーダンスがわっと盛り上がった時期には、「かっこいい」とか、もっとライトな入口から入ってくる方もいましたし、いろいろなジャンルの人が観に来ていた印象があります。今は状況が変わり、名前は知っていても、実際に観に行くところまではなかなかつながらない。

作品作りでは、自分がいま一番気になることをずんずん先鋭化していく必要があります。裾野を広げるのは、多分それとは全く別のこと。これまでは制作に重心を置いてきたので、今度はもう一方にも少し活動を振ってみようと思いました。

これまでもワークショップは続けてきましたが、一つひとつが「点」で終わって、なかなか「面」にならない。劇場と一緒にやることで、個人でやってきた時とは違うことができるのではないか、という期待があります。

言葉より抽象度が高いので、意味を一つに限定しなくて済む

——作品を作る上で、ずっと関心を持ち続けていることはありますか。

ずっと興味があるのは、自分の体や人の体に、まだ使っていない感覚がどこにあるのか、ということです。日常では、決まった動作を半分自動的に繰り返していて、体を全部使っているわけではない。まだ使われていないところを少しでも開拓してみたいというのは、ずっと変わりません。

『全自動煩悩ずいずい図』のクリエーションでは、最初に1時間くらい、ひたすらみんなでウォームアップしていました。まず汗だくになるくらい体を動かして、頭で考える余裕がなくなるところまで持っていく。そこまでやって、ようやく「クリエーションの体」になるんです。そこから、「こういう状況で、こうしてみて」とシチュエーションを渡し、ダンサーに少し自由にやってもらいながら、「この人から何が出てくるだろう」と探っていきます。

自分の作品は、たとえるなら長編の小説より詩に近いと思っています。タイトルも語呂のいいものが好きですし、リズムや文体で世界観を作っていくような感じです。

体で表現すると、言葉より抽象度が高いので、意味を一つに限定しなくて済むんです。どきついことを扱っていても、受け取り方には幅を残せる。言葉にすると、そのきつさが先に直撃して、刺さり方が一箇所に決まってしまうような感じがあるんですよね。もちろん、ここは言葉じゃなきゃだめだと思うところでは、喋ったり歌ったりもします。

自分の体を感じていいんだよ

——ダンサーとの創作と、一般向けのワークショップに共通するものはありますか。

いかにその人の能動的なところを引き出すか、というのは同じです。作品でも、私が動きを全部決めて渡すわけではなく、相手がそこからどう動くのかを見ながら一緒に作っていきますし、ワークショップも、最終的にはその人が動きたいように動くことが一番です。

ただ、入り方は相手によって変えます。思春期くらいの子には言葉が必要なこともあるし、小さい子なら体から入った方が早い。大人の場合も、いきなり体でグイグイいって警戒心を持たせたくないので、言葉を求めているなと思ったら言葉も使います。

一般の方は、自分の体が今どうなっているのか、意外とわからなかったりするんです。力を抜いたつもりでも、触れて確かめると「まだここに力が入ってた」と気づく。1時間半でめっちゃ変わるとかないですよ。あったら怖いです(笑)。短い時間でも、そうやって今まで意識していなかった自分の状態にひとつ気づくだけで、体に対する解像度は上がります。「自分の体を感じていいんだよ」ということは伝えたいです。

2019年から続けている親子向けの性教育のワークショップでも、誰かに触れられて、嫌なのか、いいのか、それともよくわからないのか、まず自分がどう感じたかを確かめます。相手が誰であっても、自分が感じていることが、自分にとっての正解なんです。実際には、相手によって「やめて」と言えなかったり、最初から諦めたりすることもある。だから一度、自分がどう感じたかを伝えてみる。そうすると、自分が誰かに触れる時にも、「この触れ方で大丈夫かな」と相手を見るようになる。そういう回路を一回作ってみる、ということですね。たとえダンスの場でも、「ダンサー同士だから触れて大丈夫」という暗黙の了解で、嫌だという感覚をなかったことにするのはおかしいと思っています。

一人ではできない「発想のジャンプ」

——「作り手同士のシェアワークショップ」は、異なるジャンルの作り手がそれぞれの制作方法をシェアし合い、ワークショップ内で実践してみる取り組みですね。

そもそも私も、他の人がどうやって作品を作っているのか、実はよく知らないんです。本当に最初の段階で何をしているかは意外とわからない。同じ振付家同士だと近すぎて聞きづらいこともあるので、違うジャンルの人に「何も知らないので教えてください」と聞く方が、素直にバカになれるんですよね。ダンスだと職業でやっている分、「ここで下手なことはできない」という鎧や、つまらないプライドが出ることもあります。この前は映像作りだったのですが、やったことのない思考と方法でものを作る体験には、作品作りを始めた頃の新鮮なワクワクに通じるものがありました。

一方で、違うジャンルでも、ものを作っている人同士なので、「これはダンスにもつながるな」と考えられる。自分からは逃れられないものですが、別の作者の方法を自分の中に一回通して、「この人の視点を借りて作ってみるとどうなるのか」を試すことで、一人ではできない発想のジャンプが起こることもあります。

体を使って思考する

——地域で活動するアーティストたちの話を聞く場も作られています。

地域で活動している人が、どうやって活動を続けているのかは気になります。そういう知恵は共有財産として、どんどんシェアして、真似すればいいと思うんです。

地域の制度を使うと、普段なら関わらない区役所の人と話すことも出てきます。「ダンスってこういうこともあるんですか」と知ってもらえたり、電話でやりとりしていただけの人がワークショップを見に来て、実際に話すことで少し関係が変わったりする。本当に小さいことですけど、もうそういう積み重ねしかない。「裾野を広げる」というのは、たぶんそういうところから、ちょこちょこやっていくことなんだと思います。